A Woman with Purpose : Carmen Herrera

A Woman with Purpose : Carmen Herrera

 

105歳にして一線で活躍し続けるキューバ系米国人の抽象画家の一人、カルメン・ヘレラ。今もその勢いは留まることを知りません。アクリス2017年春夏コレクションでは彼女の作品からインスピレーションを得た洋服を発表しました。ヘレラが語る人生のストーリーとは。

ヘレラは、生涯のほとんどをアーティストとして過ごしてきましたが、初めて作品が売れたのは2004年、ヘレラが89歳の時でした。以来、ヘレラの作品は高い評価を受け、ニューヨーク近代美術館、ホイットニー美術館、ボストン美術館をはじめとする名だたる美術館に所蔵されています。

アート界で最も広く知られる存在となった今日も、ヘレラはこれまでと同じようにニューヨークのアトリエで創作活動を続けています。 そんな日常のなか、女性アーティストであることの意味や、2度のパンデミックを経験したヘレラならではのストーリーを語ってくれました。アートの世界で生きる女性たちに向けて、激励の言葉を贈っています。ヘレラが真のインスピレーションとなり、Woman with Purpose - 目的を持つ女性 となった背景には、創造への飽くなき情熱がありました。

 

  1. 今も毎朝のスケッチを続けているようですね。どのようなアトリエで働いているのですか?最近、あなたのインスピレーションとなっているものはありますか?

ええ、もう何十年、何も変わっていないの。それが楽しいのよ。窓際の机から蘭の花が見えるの。年々美しくなっているわ。通りの向かいの建物は変わってしまったわね。巨大なモンスターを造っているみたい。ここは今も1960年のままなのに。

  1. アート界で認められるまで長い時間を要しましたね。初めて作品が売れたのは89歳の時でした。あなたは情熱をひたすら追い続け、決してあきらめませんでした。自分が信じるものを追い続けてこられた理由は?

注目されないということは、自由であるということでもあるわ。好きなことを何でも自由にできるわけだから。批評など気にしなくていいの。

  1. アートにおいて女性であることの意味は?

私たち女性画家は、世界の人口の半数(つまり女性)が持つビジョンや視点を持ち込むことができるのよ。何世紀にもわたって、どれだけの豊かさがないがしろにされてきたか、想像してみて。今の時代は良くなったと信じているわ。

  1. あなた自身、特に楽しみにしている展示やプロジェクトの予定はありますか?

ロンドンのロイヤル・バレエ団のウェイン・マクレガーのために制作したセットが、コヴェント・ガーデンで展示されることになっているのだけど、無事展示されることを願っているの。コロナの影響はいろんなところに出ているので。私は1919年のスペイン風邪のパンデミックも経験したのよ。姉がマスクをつけていたのを覚えているわ。

それから、ポンピドゥーのグループ展示では、わたしのパリの絵画作品が展示される予定よ。1950年代にパリにいた経験は、私自身にとっても、私の作品にとっても、とても貴重だったわ。

  1. あなたのお話は、若い女性アーティストたちにとって大きな刺激となります。彼女たちの励みにもなるような座右の銘があれば教えてください。

Do what you love and love what you do(自分が愛することをしなさい、そして自分がすることを愛しなさい)」努力、努力、努力。それから、幸運が訪れることを少しだけ祈るの。

 

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コンテンポラリーなデザイン、ナチュラルでユニークな素材、日本のクラフトマンシップのエレガントな融合、それが岡本菜穂さんの情熱です。空間デザインを学んでいた彼女は、より身近な、自分自身の身体に近いものへのデザインに対する興味が高まり、2006年に自身のブランド「SIRI SIRI」を立ち上げました。 ガラスという、それ自体には価値のない素材も、人の手が加わることで唯一無二のジュエリーになると彼女は考えているのです。岡本さんの考えるサステナビリティとは、消滅の危機にある手工芸を守り、育て、同時に新しい素材や独自の技術的な挑戦によってアップデートしていくことです。このアプローチで、彼女は2020年のSwiss Luxury Innovation Award(スイス・ラグジュアリー・イノベーション・アワード)のファイナリストのひとりに選ばれました。 A Woman with Purpose(目的を持つ女性)である岡本菜穂さんに、ユニークな素材へのこだわりや、今後のインテリアデザインのプロジェクトについてお話をうかがいました。 あなたのジュエリーはとてもユニークですね。金属やシルバー、ゴールドの代わりに、ガラスや籐を使っていますね。このような型にはまらない素材を使って作品を作るというアイデアは、どのようなきっかけで生まれたのでしょうか? きっかけは、私が金属アレルギーであることがわかったことです。当時はまだジュエリーといえば金属や宝石が主流で、建築やインテリアのように異素材を試す文化がありませんでした。空間デザインを学んだ後、家具のショールームで働いていたのですが、女性のお客さまは籐のカゴやガラスの器などのインテリア製品が好きな方が多いことに気づきました。そこで、女性にとって身近な素材を使ってジュエリーを作ろうと思い立ちました。 コンテンポラリージュエリーには、日本の伝統的な技術も使われていますね。古くから伝わる技術を守り続けることは、なぜ大切なのでしょうか。 伝統をそのまま守ることは必ずしも良いことだと思っていません。伝統は続けてこそ価値があると思っています。伝統は人がなぜ、どうやって、ここに今存在しているのかを知るきっかけになり、未来へ歩むパワーになります。 岡本さんがジュエリー制作の際に使っている具体的な技法の一例を教えてください。 私の代表的な商品は、東京の伝統工芸である「江戸切子」と呼ばれる技法を用いた「KIRIKO」コレクションです。ガラスの表面を切ったり削ったりするガラスの装飾技法です。伝統的なカットのパターンはいくつかありますが、私がよく使うのは、金属の表面を金槌で叩いたような「槌目」と呼ばれる模様です。 スイスにお住まいとのことですが、工芸品に関して、日本とスイスの共通点はありますか? 調和を重んじるところ、協調性があるところなど、スイスと日本には共通点が多いように思います。また、シャイなところも似ていますね。デザインに関しても、ミニマリズムや洗練されたディテールを好むという点では共通していると思います。 新しい「マイスター・コレクション」と、その背景にある考えを教えてください。 「マイスター・コレクション」は、同じデザインのものでも、職人の技術や作品そのものの芸術的価値によって価格が異なるコレクションです。このアイデアは、私が北欧の家具店で働いた経験から着想を得ています。北欧のヴィンテージ家具は、デザインが同じでも、製作した職人によって価格が大きく異なります。それは、職人ならではの唯一無二な技術へのリスペクトと、デザイナーとの共作というストーリーを反映した、素晴らしいアイデアだと思いました。...

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